Paleolítico Superior

Paleolítico Superior

"cuevas de Lascaux"

Hace miles de años, los hombres y mujeres se resguardaban del frió en cuevas, ¿te has imaginado como pasaban el tiempo en ese entonces? No tenían nada de lo que tú tienes para entretenerte (televisión, computadora, iPod, etc.). Fue entonces cuando alguno de aquellos hombres tomó un hueso fino, que pertenecía al esqueleto de algún animal cazado anteriormente y comenzó a hacer trazos en la pared con él, usando la ceniza de la fogata que daba calor a la tribu como una especie de pintura; esa misma inquietud lo llevo a descubrir y utilizar tierras rojizas y polvos finos para determinar el contorno de lo que quería representar; primero mediante el color y luego mediante el grabado.
Este hombre dibujo un caballo, parecido a aquel que los hombres del clan acababan de cazar, también dibujo las flechas traspasando el cuerpo del caballo.
Fue así como empezó la historia de la pintura, como vez en sus inicios no trató de expresar belleza o perfección, sino solo trataron de reflejar un poco de su entorno, lo que vivían y veían; por eso los tres temas principales que puedes encontrar en este periodo son: los animales, las figuras humanas y algunos signos.

pintura egipcia

PINTURA EGIPCIA

"pintura mural de Tutankamon acompañado de Anubis y Neftis"

Para los egipcios las grandes paredes de las tumbas faraónicas y de las pirámides fueron como grandes cuadernos, en los cuales plasmaron los diversos ritos que estaban acostumbrados a celebrar, siendo el tema de la muerte el que aparece con mayor frecuencia.
Por ejemplo:
Esta escena representa lo que ellos llamaban “ceremonia de la abertura de la boca” con la cual le daban vida eterna al muerto.
Aquí esta el faraón Tutankamon; acompañado del dios Anubis, que era (representado con el cuerpo de un hombre y la cabeza de un chacal) protector de los momificados; y la diosa Neftis una de las diosas de la oscuridad.
Los dos dioses llevan en sus manos un anj, con este se le otorgaba la vida eterna al muerto.
Aquí también puedes ver un poco de la escritura que usaban los egipcios, pues su pinturas muchas veces contaban una historia con jeroglíficos (pequeñas figuras que significaban palabras o frases).
Utilizaban para pintar juncos machacados con los dientes que tenían la función de pinceles y los colores eran extraídos de algunos minerales y vegetales.
Para pintar los cuerpos humanos, hacían que la sombra de alguien se proyectara en la pared y el pintor inmediata mente la dibujaba, después trazaban sus rasgos. El gran secreto de estas pinturas es que los ojos y los hombros parece como si los estuvieras viendo de frente y todo lo de más de perfil, ¿ya lo notaste?

pintura mesoamericana

Pintura Mesoamericana

"mural de Tlalocan o Paraíso del Dios de la lluvia"

Teotihuacan

Éste mural se encuentra en la ciudad de Teotihuacan en el Palacio de Tepantitla consta de una representación de Tlaloc y su paraíso llamado Tlalocan según la cosmovisión Teotihuacana allí se formaban la nubes y se reunían las almas de los muertos por agua. Una replica de este mural puede observarse en el Museo Nacional de Antropología
También se le llama “el paraíso” por que todos parecen estar muy contentos, pues bailan y cantan, sabemos que están contentos por que de su boca sale un pequeño signo con unos puntos a su alrededor el cual quiere decir canción o palabras hermosas.

El mural de “tlalocan” esta dedicado a Tláloc, dios de la lluvia, al cual puedes identificar por los círculos que tiene alrededor de los ojos, llamadas anteojeras, tiene bigote y barba y porque sus orejas son grandes y siempre tienen algún tipo de adorno.
Los artistas teotihuacanos preferían el color rojo a otros colores. Usaban tonos naturales que conseguían de plantas y tierras, los cuales eran mezclados con baba de nopal para lograr que se pegaran a las paredes, por eso, luego de tantos años, podemos verlos todavía.

Renacimiento

"la primavera"

Sandro Botticelli

En la antigua Italia, muchos hombres poderosos buscaron rodearse de objetos caros y bellos. La pintura tenía un lugar muy importante, por eso muchos artistas pintaban en telas usando óleos y colores hechos con aceite de nueces o semillas de linaza. Esta es la época del Renacimiento, cuando escritores, arquitectos y pintores se interesaron en observar con mucho interés a las personas, por eso la figura humana y los sentimientos llegaron a ser tema de muchas obras.
Botticelli pinto este cuadro en una tabla muy grande. En esta pintura uso la técnica llamada “temple” para hacer una alegoría de la primavera: es decir que cada imagen representa una cosa, por ejemplo: el niño con alas que vuela sobre el campo es Cupido, dios del amor. La mujer del centro es Venus, madre de cupido y diosa del amor. A la derecha, la ninfa Cloris (representa la castidad) es perseguida y atrapada por Céfiro que es el viento primaveral, representa al amor, de la unión de estos dos surge la belleza de Flora, la mujer del vestido con flores. Las tres Gracias que están tomadas de la mano representan al amor, la libertad y la pureza, a la izquierda vestido de rojo, tomando una manzana se encuentra Mercurio que representa el entendimiento, es el que revela el misterio del amor.
La idea general del cuadro es la armonía, la belleza y el crecimiento de las frutas con la llegada de la primavera en mayo.
La intención del artista fue que cada figura se viera hermosa, no solo por el detalle de los rostros o de los cuerpos, sino por la forma en que todas conviven. Ésta es la armonía o la composición que caracterizan el renacimiento.

post-impresionismo

Post-Impresionismo

"la habitacíón de Van Gogh en Arles"

Vincent Van Gogh

El artista que pintó este cuadro se llama Vincent Van Gogh, el quería que cuando vieras su cuarto, en esta pintura, descubrieras algo de su personalidad. El nació en Holanda y viajó por varios países, en los cuales conoció a los pintores impresionistas, descubrió que gustaban de pintar el campo y observar como la luz daba los colores a las cosas.
Vincent no mezclaba la pintura sino que la tomaba con el pincel y la embarraba en la tela; le gustaba hacer trazos firmes con colores fuertes, los colores que utilizó en cada una de sus obras estaban muy relacionados con su estado de ánimo. En este cuadro se le ocurrió que la luz en la ventana podía ser verde, inclusive si te fijas bien los cuadros colgados en la pared son en realidad un retrato de él y de su madre, es decir “pinta su pintura”.
La gente de esa época estaba acostumbrada a ver las cosas en los cuadros como si fueran fotografías, o sea, que fueran muy parecidas a lo que sus ojos veían; por eso la obra de Vincent no fue reconocida en ese tiempo, y tuvieron que pasar muchos años para que sus cuadros fueran exhibidos y apreciados, pero lamentablemente él no vivió para verlo.

Surrealismo

Surrealismo

"papilla estelar"

Remedios Varo

Remedios Varo la autora de esta pintura fue una persona que salió de su país huyendo de la terrible guerra española y se refugió en el nuestro.
Fue aquí donde encontró parte de su inspiración para pintar.
Varo lo que trata de explicar en esta obra es todo lo que implica ser madre, pues la mujer está atrapada en una solitaria torre y la única ocupación que tiene es la de moler las estrellas para dárselas de comer a la luna, que es como su hijo. Ésta es la forma en la que ella se imagino la maternidad porque ella nunca tuvo hijos.
La técnica que usa es el emborronamiento, que consiste en soplar pintura diluida sobre el lienzo para crear una textura de salpicadura y borrones. La cara de la mujer es la de ella misma, Remedios Varo, con cara en forma de corazón y ojos grandes y expresivos.
Este cuadro fue pintado durante la etapa del Surrealismo, éste periodo se caracterizó porque el pintor se dejaba guiar por su inconciente para crear a si una pintura fuera de la realidad. Siguiendo esta línea lo que Remedios hacia era crear todo un mundo de fantasía y magia pero de manera cuidadosa e intencionada

Muralismo en méxico

MURALISMO EN MÉXICO

"sueño de una tarde dominical en la Alameda"

Diego Rivera

Diego Rivera se pintó a él mismo, de niño, en este mural. Así recordaba sus domingos de paseo en una ciudad que comenzaba a crecer y cambiar. Pinto escenas de la historia de México, pintó personajes que ya no existían, pintó con muchos colores y no dejo casi nada sin pintura, no olvido ni el más mínimo detalle en las figuras, objetos, atuendos, gestos y actitudes de sus personajes.
Este mural es como una gran película que habla de la historia de la ciudad y también de los dulces y los juguetes, de todo lo que puedes hacer y contemplar un domingo en la Alameda.
A Rivera le agradaba la idea de que toda la gente pudiera ver sus pinturas y le gustaba lograr que todas las personas entendieran lo que él contaba en esos murales. Retrato a sus amigos, a sus hijas. Para Rivera todos – la gente muy rica o los menos ricos- tenían un lugar en el arte, en la historia de la ciudad y del país.

pop art

POP ART

"latas de sopa"

Andy Warhol

Para Andy Warhol los objetos que estaban a su alrededor eran tan interesantes que decidió volverlos arte. Para él las etiquetas, los anuncios en la calle, las cajas de detergente o los rostros de los actores de las películas podían estar en uno de sus cuadros.
Para hacer este cuadro comenzó pintando las latas de sopa, pero después decidió experimentar con una técnica llamada serigrafía, es decir que usando una plantilla y filtrando un color, imprimió la misma imagen una y otra vez, así que no nada más hizo este cuadro con la lata de Cambells, sino muchos.
Así nació el arte Pop, que viene de la palabra popular, lo que quiere decir que las cosas comunes, como lo que está en la despensa de tu casa, tus zapatos, tu ropa, o tus muñecos pueden ser inspiración para una pintura.